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El director Benito Zambrano (Lebrija, Sevilla, 1965) estuvo en Canarias en visita relámpago con el fin de mantener un encuentro con aficionados y profesionales del sector audiovisual de las Islas gracias a una iniciativa del Centro de Estudios de Cine de Canarias (CECAN). En la siguiente entrevista, el director de Solas (ganadora de cinco premios Goya en su XIV edición, celebrada en el 2000, y premio especial del jurado en el Festival de Berlín) habla de su experiencia formativa en la Escuela Internacional de San Antonio de los Baños, Cuba, así como de sus películas y su trabajo en la serie para televisión Padre Coraje. Actualmente se encuentra ultimando su próximo filme, La voz dormida, basada en un libro de Dulce Chacón.

EDUARDO GARCÍA ROJAS – Usted se formó en la Escuela de San Antonio de Los Baños, muy próxima a La Habana…

- A nivel de cine sí aunque con anterioridad ya había estudiado en una Escuela de Teatro y trabajado como ayudante de cámara en Canal Sur y Televisión Española. Vamos, que tenía cierta formación técnica. Pero desde el punto cinematográfico mi formación la hice en Cuba.

- Se lo preguntaba porque rodea un aura de mito a esta Escuela.

- Lo mítico siempre tiene su coda de verdad y de mentira. Toda escuela de arte depende de su profesorado y alumnado. La Escuela de Cine de Cuba funciona con profesionales que van a dar clases y un grupo de profesores más o menos fijo, que se mantiene, aunque hay años en que no están. Si tienes suerte, esos cursos te los pueden dar dos o tres profesores realmente buenos, lo que en mi caso me lió bastante porque no sabía como dividirme para asistir a todas las clases. Hay rachas también en las que los que llegaban eran cuatro mediocres y exclamabas lo de ¡Dios mío y ahora que hacemos! Por eso creo que en este tipo de escuela igual de importante que los profesores son los compañeros con los que coincides. Si encuentras un grupo de alumnos cuyo deseo y pasión es el cine, te encuentras ante una competencia sana de lo más productivo, y yo tuve esa suerte porque los dos años que cursé en la Escuela así fueron los estudiantes de mi grupo. Recuerdo esa etapa como muy bonita, y ahora mismo la mayoría de ellos está trabajando en el cine pese a que siempre destacan los profesionales que se dedican a la dirección. Lo más importante de la Escuela de Cine de Cuba son los buenos profesionales que te encuentras y que más tarde regarán África, América Latina e incluso España. Los dos años que pasé en Cuba están marcados por una pasión por lo que hacíamos que nos contagiaba. Todo el mundo quería aprender y saber. La Escuela cuenta también con otras cosas importantes que la hace especial. Y una de ellas es que está aislada, y si bien Cuba es un país que parece estar aislado del mundo, que tenga un centro aislado a una distancia considerable de La Habana la convierte en una especie de, digámoslo así, monasterio caribeño donde sólo puedes pensar en cine. Un día normal consistía en levantarte, ir a desayunar, hablar con los compañeros de cine, ir a las clases, almorzar, y seguir hablando de cine. Por la tarde, veías películas o asistías a seminarios y así hasta la noche: siempre cine, cine y más cine. Y eso tiene de bueno que no piensas en nada salvo en… ¡cine! Toda nuestra energía estaba organizada en torno al cine.

- En este aspecto, ¿el profesional nace o se hace en una Escuela?

- No hay normas porque las ganas de contar historias no te la puede dar una escuela. Una escuela en todo caso te permite desarrollar esa capacidad. Además, lo positivo de una escuela es que te da un espacio donde poder equivocarte. Un espacio donde aprender y probar pero sobre todo errar porque se aprende de los errores y no de los aciertos. Las escuelas son espacios para equivocarse. Yo era el mayor de mi grupo, y eso lo tenía más o menos claro: lo importante no era aprender a manejar la cámara si no ¿qué voy a contar a través de esa cámara? Yo me gradué en guión. Así que en esos dos años donde me aislé del mundo, es decir, que me aislé de España, de mi familia, de los problemas, me encontraba en un lugar al servicio de que hiciera lo que quisiera. Y como la Escuela contaba con más de lo que necesitaba, me ayudó mucho. Lo importante es que te encuentres a ti mismo. Que sepas qué quieres hacer al tiempo que aprendes a manejar los instrumentos de forma profesional. ¿Se nace o se hace? hay gente que se hace como es mi caso y otros que nacen en un entorno familiar vinculado al cine, lo que te permite colarte con cierta comodidad en la industria.

- ¿Notó cuando regresó a España cierta endogamia en el mundo del cine?

- Cuando regresé a España me fui a mi pueblo, Lebrija, y la verdad es que tenía un desconocimiento absoluto del cine español. No me considero, por otra parte, lo que se dice un cinéfilo. De hecho, comencé a estudiar teatro antes que cine, así que puedo calificarme, como la mayoría de la gente de mi generación, un espectador de cine no en salas sino gracias a la televisión. A mí me formó cinematográficamente el cine que vi en la televisión, aunque la primera vez que me mostraron una cámara de cine fue en Cuba.

- Ha dicho que quiere hacer comedia.

- Es más fácil hacer llorar que reír. A mí, por lo menos, me resulta mucho más difícil escribir una comedia que un drama, que es un género que tiene un componente real donde me manejo con comodidad. Sin embargo, cuando intento escribir comedia me sale falsa o transformo la idea a medida que la voy escribiendo en una cosa demasiado seria. Aunque algunas veces me salen situaciones cómicas. En algunas de mis películas hay momentos que hacen reír, pero no. Lo he intentado pero no me sale esto de escribir comedia.

- ¿No será porque se siente más seguro dirigiendo las historias que escribe?

- De las tres películas que he realizado dos fueron escritas por mí y una tercera, la serie de televisión Padre Coraje, por un buen amigo de Sevilla, Antonio Onetti, aunque es verdad que ambos trabajamos previamente el guión. No me planteo esta cuestión porque al margen de cine y televisión también dirijo anuncios publicitarios que son ideas de otros y me siento muy cómodo en ellos. O mejor, hago una separación: pongo mi oficio al servicio de contar las historias de otros, consciente de que no es mi historia. En este sentido, cuando ruedo películas de Benito Zambrano necesito creerme la historia y convencerme de que merece la pena contarse. De todas formas, creo que soy más director que guionista aunque lo que me apasiona de verdad en este trabajo es lo de inventarme un relato porque es como descubrir un mundo que nadie ha transitado antes.

- La pregunta es inevitable, ¿qué opina de la polémica Ley del Cine?

- Confieso que es un asunto que controlo poquísimo. Asumo una dejadez de responsabilidades y la voluntad de haber dejado ese tema en otras manos. No conozco muy bien esa Ley, sólo quiero que cualquier asunto que se legisle desde nuestros gobiernos genere normas que potencien la cultura en su diversidad, en sus idiomas, géneros y estilos. Que esas leyes permitan en definitiva algo que nos aporte y aporte a la cultura de este país. Me da igual que la obra sea pequeña como una colosal.

- Le inquieta la aparición de las nuevas tecnologías en el cine. La desaparición del celuloide tradicional.

- No. Ya te dije que no soy un cinéfilo. Empecé en esto rodando cortometrajes en vídeo, así que me da igual el formato. No obstante y por una cuestión de actitud ante la vida, no me gusta que desaparezca lo bueno pero sí lo malo. Vaya, que no me gusta restar sino sumar. Por eso, espero que todos los formatos se mantengan y que la gente los utilice en función de cómo quiere contar sus historias. Las nuevas tecnologías están para que pasen cosas muy interesantes y locas. Otra cosa son los que tienen el control de los grandes espacios de comunicación, comenzando por las salas de cine, porque es un tema más complicado.

- Le planteamos ahora que describa brevemente las tres películas que ha dirigido. Así como su próximo proyecto, La voz dormida, adaptación de la novela del mismo título de Dulce Chacón.

- Muy bien.

- Empezaremos por Solas.

- Fue mi primera película. Así que es un título muy importante porque además de contribuir a impulsar mi carrera cinematográfica tiene que ver mucho con mi vida, mi mundo, mi universo, mis entrañas como ser humano. Tuve la suerte de que saliera bien y que funcionara en todas las partes donde se exhibió. Significó, además, mi carta de presentación y me dejó situado en un punto muy bueno que me facilitó las cosas para rodar mi siguiente proyecto.

- Padre coraje.

- La entiendo como un experimento que me permitió ahondar en el mundo de las historias andaluzas y continuar aprendiendo a contar historias y a trabajar con actores fundamentales del cine español para darme cuenta, de paso, que en televisión se pueden hacer cosas interesantes o al menos otras cosas a las que habitualmente nos tiene acostumbrado este formato. Es una película larga, casi cinco horas de duración.

- Habana Blues.

- Significó mi rencuentro con Cuba. Mi homenaje. Benito Zambrano antes y después de Cuba. Habana Club fue mi manera de decir “Cuba, gracias por lo que me has dado, por todo lo que aprendí”. Se trata de una historia narrada siempre desde el respeto y la emoción, y pese a que se trata de un relato sobre jóvenes músicos cubanos, quise dotarla de cierto compromiso para que mereciera la pena.

- Y ahora la adaptación de La voz dormida.

- Tenemos guión y nos encontramos en la fase de diseño de la producción. Cuenta con un presupuesto razonable para lo que ahora mismo es la industria del cine español, así que espero que los productores consigan el dinero para rodarla.

- ¿Qué le atrajo de la novela de Dulce Chacón?

- Me atrajeron muchas cosas. La historia de amor entre las dos hermanas, Pepita y Hortensia, que no quiere ver lo que está pasando ante sus ojos cuando lo que pasa es un nivel de crueldad que fue lo que nos legó el franquismo durante la postguerra: fusilamientos, torturas en las comisarías, consejos de guerras sumarísimos absolutamente alegales, fuera de toda norma. Y todo eso con la complicidad de la santa iglesia apostólica y romana. Pretendo reflejar el contexto histórico de la postguerra, el nivel de sin razón y delirio que hubo por parte de los vencedores por exterminar a la otra mitad del país. Matar al otro porque es diferente. Todo eso me atrajo de la novela. También su poesía y el amor que hay dentro de las dos hermanas protagonistas, como se apoyan la una en la otra. La voz dormida es una novela que habla de la dignidad, pero sobre todo de la dignidad de las mujeres en las cárceles franquistas, algo que nuestro cine ha tratado muy poco.

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El lanzaroteño Roberto Pérez, a punto de rodar su primer largo, ha sido entrevistado por La Voz de Lanzarote. Guionista, director y cineasta de 31 años, está rematando los últimos retales de su salto al largometraje. El filme en cuestión tiene como título provisional “Seis Puntos sobre Emma” y prevé rodarlo el primer semestre del año que viene en Tenerife.

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Cannes celebró el estreno de Hierro con una gran ovación. Rodada en Gran Canaria y El Hierro, la ópera prima del madrileño fue seleccionada entre miles para proyectarse dentro de la Semana de la Crítica. A falta de fecha de estreno, su director dice que el guión se escribió para la isla canaria y recuerda las indisposiciones del equipo al rodar siete días a bordo del ferry en marcha.

Todo lo que se ha publicado tras su paso por el Festival de Cannes está siendo muy bueno. ¿Lo esperaba?

- Estamos muy contentos. De hecho sólo con estrenar en Cannes ya estamos satisfechos porque no hay un lugar mejor para hacerlo. Para una peli pequeñita como la nuestra es estupendo.

- ¿A nivel de distribución ha sido importante proyectar Hierro en Cannes?

- Eso es difícil de calcular ahora pero entiendo que algo bueno tendrá. El cierre de los acuerdos con la distribuidora, Paramount, se realizó justo antes de la proyección en Cannes, por ejemplo. Así que solo el hecho de que se estrenara allí genera unas expectativas que hace que todo sea mejor. Eso sumado al hecho de que puedas colocar en el cartel que la película ha sido seleccionada para el festival francés.

- ¿Cannes da caché?

- Si. Es un festival al que se presentan miles de películas de todo el mundo y sólo se seleccionan unas pocas.

- ¿Qué cree usted que esconde Hierro para haber gustar a tanta gente?

- Es una película que visualmente es muy distinta a lo que normalmente vemos en el cine español. No parece una película española, tampoco americana pero sí que tiene una personalidad muy fuerte porque esta también muy basada en la imagen y el paisaje, lo que resulta al final muy importante.

- ¿Esa característica, ese cuidado de la imagen del que habla, viene dada por su experiencia como publicista?

- Pues quién sabe. A lo mejor viene por ahí o, al contrario, me dedico a la publicidad porque lo que realmente me interesa es la imagen. Sí es verdad que la publicidad tienen un cuidado uso de las imágenes pero en una película nunca puedes aplicar la estética con la que trabajas en publicidad. La publicidad son fragmentos de 20, 30, 40 segundos y una película dura 90 minutos. Nunca puedes llevar tu manera de trabajar en la publicidad al cine porque creo que sería difícil de soportar. Una película debe tener otro ritmo aunque todo el trabajo que puedas hacer con la imagen tiene su importancia como fotógrafo, dibujante, publicista… y yo me he dedicado también a hacer efectos especiales. Eso te ayuda a comprender el uso de la imagen pero en general los directores de cine que venimos de publicidad tenemos que tener mucho cuidado para no trasladar a la gran pantalla nuestra estética publicitaria porque no es bueno.

- Para el Archipiélago es ilusionante que se seleccione para el festival más importante del mundo una película rodada en Gran Canaria y El Hierro…

- Una película que además se llama Hierro por la Isla.

- Sí, además. ¿Cuándo tuvo claro que su película se podía rodar en Canarias?

- Cuando me incorporé al proyecto la historia ya existía y también la posibilidad de rodarla en El Hierro, aunque no conocíamos la isla. Las referencias sobre la isla nos gustaban: que es un lugar remoto, que es pequeño, que tiene una carisma que atrae mucho… Viajamos allí antes de comenzar el guión para conocerla y empaparnos de su atmósfera y cuando tuvimos toda la información escribimos el guión, digamos que es ad hoc, está escrito totalmente pensado en la isla. De hecho, tuvimos que reducirnos a una parte de la El Hierro únicamente porque tiene paisajes tan diferentes que a niveles cinematográficos resultan inverosímiles en una sola isla, y sobre todo tan pequeña. Ese paso del paisaje volcánico al súper verde de la zona alta de la isla o las zonas de mar… Recuerdo que pensé: “si todo esto lo pongo en una película nadie se cree que haya cuatro kilómetros de distancia entre un sitio y otro”. Nos dedicamos a las zonas volcánicas porque tiene mucho poder metafórico para describir sentidos de ánimo y tiene la ambivalencia que puede ser casi un sitio terrorífico o un lugar maravilloso. Eso era importante porque el personaje principal lucha en el límite de la locura.

- ¿Y la experiencia de rodar en Agaete?

- Pues muy buena. Hay una parte en la historia que está rodada en un puerto y lo hicimos en el de Agaete, que es un puerto fabuloso.

- Tengo entendido que rodaron a horarios muy incómodos.

- Fue casi todo de noche. Casi todo lo que se rodó en el puerto y a bordo del ferry se rodó de noche salvo unas cuantas tomas porque, claro, el ferry es una cosa muy grande y no lo podíamos parar así que rodamos mientras el barco hacía su travesía regular cada día. Las escenas diurnas las grabamos mientras el barco navegaba y las nocturnas, con el ferry, parado son en Agaete.

- ¿Rodar en un ferry en marcha es complicado?

- Complicadísimo. Se movía todo y acabó todo el equipo tomando pastillas para no marearse. Fue una experiencia dura porque ni cuando el ferry está parado esta totalmente quieto el barco y pasarse una semana así fue complicado pero lo bueno es que genera unas imágenes sorprendentes, nuevas, muy agradecidas para el montaje final.

- Cuentan que la protagonista, Elena Anaya, ha sufrido bastante en este trabajo con largas jornadas grabando dentro del agua, imágenes submarinas… ¿Le costó mucho afrontar lo que usted le pedía?

- En el 95% de los planos de la película sale Elena Anaya. Toda la película se construye alrededor de ella y creo que supone un salto cuantitativo en su carrera porque es la protagonista absoluta, y eso no tienen muchas oportunidades de hacerlo los actores. Ella soporta toda la presión y lo ha hecho muy bien. Además de que se trata un tipo de papel nuevo en su filmografía. Está impresionante y estuvo muy implicada. Rodar en el ferry era incómodo para ella pues no es fácil estar mareada y ocultarlo para poder rodar, estar metida en cubetas de agua enormes, buceando en El Hierro mientras interpretas… Fue un rodaje intenso de 7 semanas muy duras para ella.

- ¿Se conoce la fecha de estreno? ¿Va a haber alguna premiere especial en las Islas?

- Tenemos la esperanza de que sí pero todo eso depende de la distribuidora, Paramount. Ellos son los que decidirán, igual que fijarán también la fecha del estreno. Tengo mucho interés en saber qué piensa la gente de las islas, sobre todo en El Hierro, porque creo que es el primer largometraje que se rueda en su territorio y tengo curiosidad en saber si los habitantes se sienten reflejados con lo que ven.

- Bueno, habrá algún espectador que critique que un peninsular venga a descubrir las bellezas herreñas y se queje de que no tiene nada que ver la isla con lo que sale en Hierro.

- Si alguien dice que no es una imagen fiel de la isla estaré completamente de acuerdo. Incluso lo agradeceré porque al fin y al cabo, esa es la magia del cine.

MIGUEL F. AYALA -LaProvincia.es

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Pues bien, el miércoles pasado fue la presentación del Catalogo Canarias en Corto aquí­ en Santa Cruz, y CortosCanarios estuvo allí­, (lastima que con el tiempo muymuymuy justo y apenas pudimos quedarnos al terminar el acto), y aquí­ tenéis una breve reseña de lo que allí­ ocurrió esa noche.

Para empezar, el lleno fue mas que absoluto, copándose dos salas completas del Renoir-Price, y la cosa no iba a ser para menos. Después de una breve ( o no) presentación del catalogo por parte de la directora del Plan Canario Audiovisual, Patricia González Cámpora, así como de los propios directores de los cortos, se procedió a la proyección de los mismos, empezando por Ante tus ojos, de Aarón J. Melián.

Ante tus ojos, ganador del Arimaguada de Oro en el foro Canario del pasado festival de las Palmas, fue posiblemente el corto que mas aplausos arranco esa noche. Una historia sencilla, a la vez que compleja, donde en 25 minutos y sucesivos flashbacks, una pareja de enamorados va “seleccionando” los recuerdos, buenos y malos, que posiblemente aparezcan “Ante sus ojos” el día de sus respectivas muertes. Un trabajo bien realizado, con un montaje correcto, y un guión que ya envidiarían grandes producciones (tanto patrias como extranjeras), y con un destacable trabajo por parte de sus dos actores principales, Sonsoles García y Carlos Quintana, ambos estupendos y naturales, dejan en el espectador una agradable sensación, sobre todo la de haber visto un buen trabajo

Fotograma de “Ante tus Ojos”

El siguiente trabajo proyectado fue “Negritud“, de Patrick Bencomo. Un corto, sin diálogos, de apenas 7 minutos de duración, donde se representa la huida de un pueblo acosado durante siglos, y como el tiempo, y la búsqueda de otra forma de vivir, finaliza en una de las grandes ironías de la vida. Como he comentado, el corto no tiene dialogo alguno, y se basa toda su historia tanto en el montaje como en el sonido ambiente. Rodado en Tenerife y en La Gomera, es el corto con mas mensaje social.

Fotograma de “Negritud”

Luego la proyección daría paso a “El contratiempo“, de David Cánovas, cuyo avión se retrasó, y no pudo estar en la presentación. “El contratiempo”, rodado en 35mm, nos cuenta la historia de un “curioso” contacto comercial. Judith Laredo (interpretada por Paola Bontempi) visita a Gabriel Mora (interpretado por José Luis Gil), con el que había quedado para venderle unos seguros. La historia, sencilla, viene contada con un comedido uso de la cámara , apostando por un montaje tranquilo, sencillo, con apenas planos, y movimientos muy sutiles, apenas perceptibles por el espectador. En resumen, un trabajo mas que correcto, apoyado casi exclusivamente en el guión de José Amaro Carrillo.

Fotograma de “El Contratiempo”

El siguiente trabajo fue “Algo que aprender“, de Maria Eugenia Arteaga. Y de este trabajo cabe destacar lo arriesgado de esta apuesta. ¿porqué?, por que “Algo que aprender” nos cuenta la historia de Daniela, una chica que escribe historias pornográficas (si, has leído bien), a las que necesita dotar de imagen; es entonces cuanto entra en escena Andrés, un delineante que responde a un anuncio de ella, buscando alguien que le dibuje en forma de comic sus historias, entablando entre ellos un juego telefónico en el que se entremezclan deseo, obsesión y secretos. Este corto, de 15 minutos, obviamente no es apto para menores, es la opera prima en solitario de Mª Eugenia, y hay que reconocer que ha sabido resolver las tablas muy bien. Aunque es obvio que este corto llama la atención por su temática, hay que ver mas allá, descubriendo en el personaje de Daniela, su pasado, y su personalidad, a la verdadera protagonista de la historia.

Fotograma de “Algo que aprender”

El siguiente en proyectarse fue “Sueño fronterizo“, tal vez el corto mas difícil de definir de la noche. David Delgado San Ginés nos muestra, en 20 minutos, un cuento surrealista, o tal vez no tanto, resultado del sueño del protagonista, donde estos mismos sueños, las pesadillas y el mundo imaginario del subconsciente se mezclan entre si con una visión única, pero con tantas lecturas como espectadores hay en la sala. El corto carece de diálogos, y, aunque la factura técnica es impecable, es tal vez el corto mas “difícil” de ver. Sin duda una apuesta muy arriesgada, de las que dan que hablar al salir de la sala.

Fotograma de “Sueño Fronterizo”

Di me que yo, de Mateo Gil, fue otro de los cortos, que, aunque con una historia sencilla, dejo un buen sabor de boca a los espectadores. La historia, universal donde las haya, gira en torno a las relaciones de pareja, y, en este caso en concreto, sobre la rotura de dichas relaciones. Los personajes “El” y “Ella” (Fele Martínez y Judith Diakhate) acaban de romper con sus respectivas parejas, al mismo tiempo, y en el mismo lugar. Tal casualidad da pie a una relación de amor-odio entre dos personas que acaban de conocerse, pero actúan como si se conociesen de toda la vida. Di me que yo es la vuelta al cortometraje de Mateo Gil después de Nadie conoce a nadie, y se nota la soltura con la que trabaja, tanto a nivel de cámara como de guión.

Fotograma de “Di me que yo”

El ultimo de la noche, fue “Ona“, de Pau Camarasa, que nos cuenta, con un preciosismo fotográfico en blanco y negro, y sin diálogos, la historia de como dos extraños coinciden en una plataforma flotante en una playa, alejada de la orilla, y donde, sin intercambiarse una palabra, terminan haciendo el amor. Un trabajo pausado, de los que hay que degustar lentamente, dejando que las sensaciones nos inunden conforme visionamos la cinta, tranquila y relajadamente, disfrutando de esa maravillosa forma de contar (y sugerir) una historia, usando el poder del objetivo

Fotograma de “Ona”

Así que, en general, la noche fue fantástica, exhalando cine por todos sus costados, y demostró, una vez mas, que el nivel del audiovisual canario no tiene nada que envidiar a ningún otro, y que entre los que allí se encontraron esa noche, hay candidatos mas que aptos con muchas posibilidades de futuro, tanto aquí, como fuera de nuestras islas. Y lo dicho, nos quedamos con ganas de muchísimo mas, de quedarnos allí a comentar la noche con los protagonistas, pero no pudo ser. De todos modos, es algo que subsanaremos pronto, pues estamos preparando una serie de entrevistas con los autores que en breves tendremos online para todos vosotros.

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Hola a todos, y bienvenidos a esta nueva sección de CortoCanarios.com, donde, poco a poco, intentaremos conversar con los nuevos realizadores canarios, para saber un poco mas de ellos, de sus proyectos, y en general, de su forma de ver el audiovisual canario. Como entrevista ignagural, contamos con Eugenia Arteaga, directora y guionista de “Algo que aprender”, un corto que ha sido seleccionado para formar parte del catalogo Canarias en Corto 08/09 del Gobierno de Canarias, y seleccionado a su vez en el Foro Canario del Festival de Cine de las Palmas de Gran Canaria.

Chema Hdez para CortosCanarios.com:

Hola Mª Eugenia, encantados de tenerte en CortosCanarios para esta pequeña entrevista. Para empezar, simplemente cuéntanos un poco de tu vida, como empezaste a realizar cortos, y como surgió el proyecto digital104.

Cuando me metí en imagen y sonido hace la tira de años, yo era de la idea de que el cine se rodaba en 16 y 3 5mm, y que para poder llegar a dirigir, antes había que trabajar en el medio todo lo que se pudiera y aprender los distintos lenguajes necesarios, no sólo el técnico y el literario, también el artístico. Cuando terminé vi que sabía la técnica pero creí que no tenía nada que contar. Me metí en Bellas Artes sin la idea de dirigir. Pero para mi sorpresa aprendí a trasmitir ideas, a provocar situaciones y volvieron las historias. Necesité volver a escribir, volver al formato de guión, me reconcilié a mi manera con el lenguaje cinematográfico.

Hice practicas en productoras, televisión, cursos anuales, talleres e incluso en ellos rodé en 16 mm, pero hasta que no me hice a la idea de que el cine digital era la mejor herramienta para seguir aprendiendo, no me atreví a hacer cositas. Fue en el 2003, cuando encontré a los otros tres directores que formamos Digital 104. A raíz de la escuela Eduardo Westerdahl y el Aula de Cine de la Universidad conocí a Jairo López, Jonay García (que casualmente era mi vecino), y a Domingo González. Todos habían hecho cosas con anterioridad en cine digital, nos unimos para ayudar a Jairo con su cortometraje Amanece, y nos dimos cuenta de que habíamos hecho un equipo que funcionaba, pero sobre todo queríamos seguir haciendo cine. Decidimos funcionar como una cooperativa de cineastas, en la que siempre hemos tenido la suerte de estar arropados por un buen equipo.

Algo que aprender es tu último corto, el cual diriges y escribes tu. Cuéntanos, ¿Cómo surgió la idea?, ¿Cómo afrontas un proyecto así?

Surgió hace unos años, durante la postproducción de OFF (2006) de Domingo González. Yo tenía que presentar a los chicos el guión del primer corto que rodaría con ellos, ya Jonay nos había dado el suyo, Acto primero. Primero trabajé sobre otra historia bastante dramática pero no me veía dirigiéndola, creo que la escribí para desahogarme de una determinada situación, así que tras escribirlo y desahogarme, Algo que aprender, salió solo. Pensé en una guionista de cómic que necesitaba descargar algo que le doliera, recordando lo que me había pasado con el anterior guión. Lo bueno de elegir el comic porno como método terapéutico, es que la protagonista no podría dramatizar, sólo presentar unos hechos determinados. Y me planteé hacer lo mismo con el guión del propio corto.

Les di a leer el guión a los chicos, no muy convencida de que fuera el definitivo para ser el primero en rodar con ellos por su carácter sexual. Y me dejaron claro desde el principio que ese corto se haría y no sólo por el tema, sino por la forma de escribirlo, tan poco habitual en mí. Así que lo afrontamos en equipo, cada uno con una función determinada sabiendo en todo momento qué era lo que queríamos. También hubieron inversiones económicas bastantes fuertes entre los miembros de Digital 104 para sobrellevar los gastos. Necesitábamos un apoyo económico, a parte de la subvención que conseguimos de Canarias Cultura en Red.

Ahora que lo empezamos a mover, tengo más claro que nunca que el cómic porno es un mundo liberador, lo más retorcido, al verlo dibujado, lo haces atractivo y pierde agresividad. El sexo no ha de hacernos daño. Es genial recuperar la picardía, te puedes hasta reír, y te aceptas más fácilmente, que es lo que busca la protagonista, gritar de alguna forma que se quiere tal como es… Y tanto yo como mis compañeros cuando lo vimos proyectado por primera vez en pantalla grande, sentimos que había valido la pena cada decisión que tomamos.

Hay que decir, que, aunque “Algo que aprender” es tu ultimo corto, también podemos decir que es el primero, puesto que los anteriores los realizaste bajo el colectivo Digital 104. Que se siente al ponerse a dirigir un proyecto como “Algo que aprender”, sobre todo, teniendo en cuenta la diferencia de grabar un corto de forma conjunta con otros jóvenes realizadores, en minidv, a enfrentarte, por decirlo de alguna manera, sola, a realizar uno en DVCam, que será hinchado a 35 mm, con director de fotografía, luces, sonido, y todo un equipo técnico profesional, del que, en parte, debes llevar las riendas?

Es cierto que he hecho cortos con anterioridad, y he visto trabajar a otros directores con medios. Pero nunca había podido dirigir con un equipo como éste hasta ahora. Por eso creo que disfruté de cada segundo, de cada decisión, pero sobre todo de la profesionalidad y seriedad de la gente que trabaja en Canarias y que se implicaron trabajando a gusto con todos nosotros en este cortometraje. Es mucho más fácil trabajar con medios que sin ellos.

Me imagino que la pre-producción del corto te llevaría su tiempo… ¿cuánto tardaste, en total, en ver realizado el sueño de “Algo que aprender”?

Escribí el guión en el 2006, lo presentamos a las ayudas de Canarias Cultura en Red y quedó en reserva. Entonces decidimos esperar. Al año siguiente, en septiembre, volvimos a montar el proyecto, lo presentamos de nuevo, y en diciembre de 2007 conseguimos la subvención para rodarlo. A partir de ese momento arrancamos con la preproducción del corto: nos pusimos a cerrar la financiación, consiguiendo las ayudas de la TV Canaria y de la Tenerife Film Commission, y nos pusimos a cerrar los contratos con los actores. Ya habíamos hablado con Pape Monsoriú, actriz de Las horas del día y con Rubén Ochandiano, de Tapas, pero no pudimos cerrar el contrato con Rubén porque se lo llevó Almodóvar. Barajamos más opciones y hasta mayo no contactamos con Roger Casamajor, actor de El Laberinto del Fauno y El mar entre muchas otras. También tuvimos que buscar a los jefes de equipo, determinar las localizaciones, confirmar las canciones del corto y la cesión de derechos por los propios grupos canarios que elegimos por lo que les estamos muy agradecidos. Y, por supuesto, había que encontrar a un ilustrador que trabajara en el comic, y tuvimos la suerte de poder contar con Adrián Miguel Delgado, joven dibujante de Tenerife, que estuvo trabajando más de tres meses para definir y realizar el comic.

En Julio era el rodaje y una semana antes de empezar me fui a Barcelona a ensayar. Para mí era esencial hacer trabajo de mesa con los actores, hablarlo todo antes del rodaje y saber que podríamos llegar a conseguir la tensión sexual que necesitábamos. El rodaje se realizó sin problemas del 19 al 22 de Julio. Todo esto llevó mucho tiempo y estuvimos tan a tope que hasta yo tuve que dejar el trabajo.

Empezamos la postproducción en muy poco tiempo, estuvimos montando la imagen en la productora de El Viaje y luego tuve que ir a Galicia para confirmar y revisar concienzudamente el montaje de audio. El trabajo de los títulos de crédito también llevó un tiempo, y el proceso previo del kinescopado también. Hasta enero del 2009 no tuvimos todas las copias en 35mm, cuando realizamos el cartel, y empezamos con la distribución y difusión del corto.

¿Cuál de las fases de realización de un corto (pre-produccion, produccion, post…) te atrae más, te gusta más… y cuál es la que te desespera?

La fase del rodaje para mi es lo mejor, los cuatro o cinco días que dura el rodaje de un corto enganchan. Las emociones, la gente, la adrenalina, todo es muy intenso y rápido, ahí las decisiones son definitivas y las asumes. Si creas equipo y buen ambiente a parte de hacer un corto, trabajas a gusto.

La más dura sin embargo es la postproducción, es la que se hace más larga, y dependes de muchos factores ajenos a ti y a tu equipo para que sea fluido y rápido, pero es donde más se aprende y no cabe duda que también se disfruta, pero de otra manera.

La grabación del corto fue durante 4 días consecutivos, que me imagino, agotadores. ¿Cómo fue la experiencia? ¿salió todo como tenías previsto?

Lo bueno de haber trabajado durante estos años haciendo producciones pequeñas con Digital 104 es que a la hora de rodar éste, la experiencia en la producción se nota, sabíamos que cuanta más gente mayor organización ha de haber. Y gracias a ello no fue agotador, la tensión era la justa y terminamos siempre a la hora, rodando a buen ritmo. Tuvimos un gran equipo, y mucha gente que nos arropó. Y la verdad que poder decir que todo salió como estaba previsto es un logro de producción y de todos los miembros que estuvimos en el rodaje.

¿Cuales son tus aspiraciones? ¿ves en el corto un paso obligado para llegar a dirigir un largo?

Hombre, sería tonto decir que después de más de 15 años aprendiendo a hacer cine no quiera dedicarme totalmente a esto. En la actualidad estamos en fase de desarrollo de un proyecto de largo, Las espirales de Ana. Fue seleccionado a mejor idea de guion por Canarias Cultura en Red en 2006 y luego consiguió otra subvención para desarrollo de proyecto en 2007. Vamos poquito a poco sin prisas y haremos más cosas. Antes de ponernos con un largo para la industria, queremos hacer el corto de Jairo y meternos en el mundo del largo los cuatro juntos codirigiendo algo de bajo presupuesto.

La formación es primordial, y el corto para mi es la mejor forma, aunque no creo que la única, para poder enfrentarte sin miedos a un largometraje. Hacer un corto no es obligatorio, hay quien ha trabajado en el medio y luego pasa al largo sin pasar por el corto, lo veo válido. Pero no suele ser lo habitual.

¿Qué consejos le darías a alguien que quiere empezar en el mundo del cortometraje?

La verdad que no soy quien para dar consejos, cada uno encuentra su forma de llagar a hacer lo que desea. Eso sí, que no tengan prisa y que disfruten de todos los pasos que den, que aprender lleva tiempo y ahora con el digital se puede hacer sin complejos ni miedos. Que rueden y se formen, y no olviden que las limitaciones existen por algo.

Perdóname por el chiste fácil, pero, ¿realizar un corto es siempre igual, o siempre hay “Algo por aprender”?

Je je, ningún corto es igual, está claro, todos se hacen en momentos distintos de tu formación. Y si no aprendes nada en ellos, para nada haces un corto.

Digital 104 tiene en su haber varios cortos, entre ellos varios dirigidos en grupo… ¿Cómo es el trabajar en grupo? ¿Cómo se distribuyen las responsabilidades?… dentro del mundo del cortometraje, es, demasiado normal, y un error a mi parecer, el principio de “yo me lo guiso, yo me lo como”. Es muy normal la figura del director-cámara-editor-realizador-músico-post-productor…. Obviamente, cuando uno empieza, es el paso lógico, pero piensas que un director debe centrarse en su trabajo, que es dirigir, o por el contrario debe estar involucrado en todas y cada una de las fases de un proyecto?

En los cortos individuales cada proyecto es diferente, y nos adaptamos según quién lo dirige. Todos vamos rotando puestos, aunque yo siempre he sido la directora artística de los cortos de los demás miembros de Digital y en el mío me lo prohibieron, hasta Domingo que hizo de mi asistente entre otras muchas cosas, me amenazó con irse del proyecto si me ponía a decorar las habitaciones… Con eso te contesto que en este tipo de cortometrajes llevamos muy en serio saber delegar nuestras funciones, y es verdad que llegamos a confiar unos en los otros hasta puntos insospechados.

Incluso conseguimos hacer cosas que no imaginábamos: cuando teníamos que localizar a Roger Casamajor, hasta él se asustó cuando le contamos cómo un miembro de Digital 104 consiguió su teléfono personal… no revelaré el misterio pero supimos que Roger no tenía multas, que se le había caducado el dominio de su página web, y cosas dispares.

En los cortos colectivos, como Roto o Insecto, tenemos la premisa de hacer cuatro visiones diferentes de un mismo tema. Solemos trabajar cada uno por nuestra cuenta pero siempre hay varias reuniones: elegir el tema, poner en común de los guiones y establecer las necesidades de producción para ver qué nos hace falta, como por ejemplo ir a cazar cucarachas por las aceras para que el actor se las coma… También decidimos los días de rodaje, se ve el equipo necesario que por lo general suele ser siempre el mínimo, casi como ese cine amateur que describes de yo me lo guiso, y yo me lo como, pero bajo una supervisión. Son ejercicios muy concretos que nos han ayudado a buscar un lenguaje propio e interesante. Es una buena manera de afrontar solos situaciones y retos formales arriesgados, y experimentales que nos den un aliciente más. Y de hecho Insecto tuvo muy buena aceptación, estuvimos en el Festival del las Palmas de Gran Canaria del 2008 además de en otros festivales.

Hay cosas que veo lógicas que un director no quiera dejar de hacer al principio, como coger la cámara mientras dirige, pero yo tenía claro que con éste corto no iba a ponerme detrás de la cámara, ni a dibujar ningún comic porno (aunque lo intenté, je), para mí era importante delegar, y dedicarme a dirigir al equipo, tenía que estar pendiente de muchos detalles, y lo más delicado, de mucha gente. Pero sí es verdad que para mí es imprescindible poder controlar todas las funciones que delego de forma lógica a los profesionales. Dando las indicaciones adecuadas para conseguir el tono y el lenguaje propio que busco. Si no yo no haría un corto, haría un collage con el trabajo de otros.

El colectivo Digital104, Domingo González Hernández, Eugenia Arteaga, Jonay García y Jairo López.

Gracias, y un saludo.

Gracias a ti y a todos los que apoyan el cine hecho en Canarias

Trailer de Algo que aprender

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